Julia Stoschek, warum ist Kunst eine Religion

Der Ernährungskompass

Bas Kast · 2018

Der Millionenbestseller – jetzt erweitert um ein neues Kapitel und Beispielrezepte Bas Kast, Autor und Wissenschaftsjournalist, war erst 40 Jahre alt, als er mit Schmerzen in der Brust zusammenbrach. Danach fasste er den Entschluss, seine Ernährung radikal umzustellen. Aus Tausenden von Studien hat er die wissenschaftlich gesicherten Erkenntnisse über eine wirklich gesunde Kost herausgefiltert, die wichtigsten Aspekte leicht verständlich zusammengestellt – und damit einen ungeheuren Erfolg gelan...

🗣 Jochen Wegner referenziert bei ⏱ 00:03:28 „Bas Kast ist ein Bestsellerautor, den viele kennen. Viele haben das Buch gelesen. Den Ernährungskompass. Der Spiegel schrieb, glaube ich, das wichtigste Buch des Jahres 2018.“

Jochen Wegner kündigt eine Live-Aufzeichnung des Podcasts auf der Republika an, bei der Bas Kast zu Gast sein wird. Er stellt Kast als Bestsellerautor vor und hebt hervor, dass der Spiegel den Ernährungskompass als wichtigstes Buch des Jahres 2018 bezeichnete. Wegner erwähnt auch, dass er selbst das Buch gelesen hat und seitdem mehr Vollkornbrot und Avocado isst.

Gemälde von Emil Nolde (Bundeskanzleramt)

Emil Nolde

Das Gemälde von Emil Nolde im Bundeskanzleramt wurde von Angela Merkel entfernt, nachdem publik wurde, dass der Künstler NSDAP-Mitglied und Antisemit war. Die Entfernung löste eine breite Debatte aus, ob und wie man die Kunst historisch belasteter Künstler bewerten und ausstellen soll. Es stellt sich die grundsätzliche Frage, inwieweit die politische und moralische Position eines Künstlers die Wahrnehmung und Beurteilung seiner Werke prägen sollte.

🗣 Christoph Amend referenziert bei ⏱ 00:16:10 „Angela Merkel ist ja gerade in der Kunstwelt auch im Gespräch, weil sie ja ein Gemälde von Emilino, weil sie jetzt ihr klar geworden ist offenbar, dass der bekennender Judenhasser NSDAP Mitglied war.“

Christoph Amend eröffnet das Gespräch mit der aktuellen Debatte um das Nolde-Gemälde im Kanzleramt. Merkel ließ es abhängen, nachdem bekannt wurde, dass Nolde NSDAP-Mitglied und Antisemit war. Dies führt zur Diskussion, ob man Kunst vom Künstler trennen kann.

Gemälde von Kurt Schmidt-Rottluff (Bundeskanzleramt)

Karl Schmidt-Rottluff

Das Bundeskanzleramt wollte ein Gemälde von Kurt Schmidt-Rottluff aufhängen, nachdem ein anderes Kunstwerk entfernt wurde. Allerdings wurden antisemitische Schriften des Künstlers bekannt. Daraufhin wurde auch dieses Werk nicht aufgehängt, wodurch die Wand des Kanzleramts weiß blieb. Der Fall zeigt die schwierige Auseinandersetzung mit der künstlerischen und persönlichen Haltung historischer Künstler.

🗣 Christoph Amend referenziert bei ⏱ 00:16:33 „Und dann wollte sie ein Gemälde oder Kunst von Kurt Schmidt-Rottluf aufhängen, hat das auch bekannt gegeben. Und dann tauchten antisemitische Schriften von auch diesem Künstler auf, weswegen dessen Werk jetzt auch nicht aufgehängt wird.“

Als Ersatz für das abgehängte Nolde-Gemälde wollte Merkel ein Werk von Schmidt-Rottluff aufhängen, doch auch bei diesem Künstler tauchten antisemitische Schriften auf. Die Wand im Kanzleramt blieb daraufhin weiß.

Rhein II

Andreas Gursky

Rhein II ist eine großformatige Farbfotografie von Andreas Gursky aus 1999, die den Fluss bei Düsseldorf in minimalistischer, fast abstrakter Weise zeigt. Das Werk ist bekannt für die digitale Nachbearbeitung, durch die Stromleitungen und andere störende Elemente entfernt wurden, sodass eine stille, reduzierte Landschaftsvision entsteht. Als eines der teuersten Fotografien überhaupt ist es ein Meilenstein der Medienkunst und wird oft für seine konzeptuelle Arbeit am Spannungsfeld zwischen Dokumentation und künstlerischer Manipulation geschätzt.

🗣 Julia Stoschek referenziert bei ⏱ 00:20:45 „Montparnasse und der Rhein bis heute. Der Rhein? Das ist ganz alt.“

Eines von Julia Stoscheks Lieblingswerken von Andreas Gursky

Montparnasse

Andreas Gursky

Großformatige Fotografie des Künstlers Andreas Gursky, die das Pariser Viertel Montparnasse dokumentiert. Gurkys charakteristischer Stil vereint präzise Detailfülle mit abstrahierter urbaner Perspektive, die architektonische Strukturen und Stadtlandschaften in subtiler Monumentalität erfasst. Das Werk gehört zu seinen einflussreichen Arbeiten, die moderne Metropolen als Träger komplexer visueller Information darstellen.

🗣 Julia Stoschek referenziert bei ⏱ 00:20:52 „In welches Bild? Montparnasse und der Rhein bis heute. Der Rhein? Das ist ganz alt. Ich kenne mich überhaupt nicht, außer mit Guski kenne ich mich zufällig aus.“

Julia Stoschek erzählt, wie sie sich zuerst in die Kunst und dann in den Künstler Andreas Gursky verliebt hat. Auf die Frage, in welches konkrete Bild sie sich verliebt habe, nennt sie Montparnasse als eines der beiden Werke, die sie bis heute begleiten.

Rhein

Andreas Gursky

Monumentale Farbfotografie von Andreas Gursky, die den Rhein aus ungewöhnlicher Perspektive erfasst. Das Werk zählt zu Gurskys bekanntesten Serien und vereint Landschaftsfotografie mit präziser, konzeptueller Komposition. Die großformatigen Bilder haben nachhaltig auf Sammlerin Julia Stoschek gewirkt und gehören zu den bedeutendsten Arbeiten der zeitgenössischen Fotografie.

🗣 Julia Stoschek empfiehlt aktiv bei ⏱ 00:20:52 „In welches Bild? Montparnasse und der Rhein bis heute. Der Rhein? Das ist ganz alt. Ich kenne mich überhaupt nicht, außer mit Guski kenne ich mich zufällig aus.“

Neben Montparnasse nennt Julia Stoschek das Werk 'Rhein' von Andreas Gursky als das zweite Bild, in das sie sich verliebt habe. Gurskys Rhein-Fotografien gehören zu seinen bekanntesten Arbeiten. Die Verbindung zu diesen Werken führte auch zu ihrer persönlichen Beziehung zum Künstler.

Play Dead; Real Time

Douglas Gordon

Videoinstallation von Douglas Gordon. Sie zeigt einen trainierten Zirkuselefanten, der sich hinzulegt, als würde er sterben – gefilmt mit rotierender Kamera auf lebensgroßem Screen und zwei Monitoren des Elefantenauges. Das Werk thematisiert Vanitas und menschliche Ausbeutung von Tieren.

🗣 Julia Stoschek referenziert bei ⏱ 00:29:09 „Und dann passierte es in New York. Und ja, da habe ich die Arbeit von Douglas Gordon eben gesehen. Können Sie nochmal erklären, was für eine das ist? Play Dead Real Time“

Julia Stoschek beschreibt das Kunstwerk als ihr Schlüsselerlebnis für die Videokunst – eine Videoinstallation mit einem Elefanten, der das Sterben simuliert

Erwin Wurm Ausstellung (Gurken)

Erwin Wurm

Die Ausstellung mit Werken von Erwin Wurm in der Galerie Johann König in Berlin präsentiert surreale Kunstinstallationen zum Thema Gurke. Der österreichische Künstler transformiert alltägliche Objekte humorvoll und konzeptionell, indem er sie in neue künstlerische Kontexte setzt. Ein besonderes Merchandising-Produkt – eine Gurkenseife – verdeutlicht die spielerische und niedrigschwellige Auseinandersetzung des Künstlers mit Materialien und Wahrnehmung.

🗣 Julia Stoschek referenziert bei ⏱ 00:50:21 „Wobei Gurke haben wir gerade, sehen wir übrigens gerade bei Erwin Wurm eine fantastische Ausstellung bei Johann König. Bei wirklich meinem lieben Galeristenfreund. Hier in Berlin.“

Beim gemeinsamen Essen kommt das Gespräch über eine Gurke auf die aktuelle Erwin-Wurm-Ausstellung in der Galerie Johann König in der ehemaligen Kirche Sankt Agnes in Berlin. Stoschek nutzt die Gelegenheit, König als Galeristen mit fantastischem Programm zu loben. Christoph Amend ergänzt, dass es zur Ausstellung eine Gurkenseife als Merchandising-Produkt gibt.

Alien

Ridley Scott · 1979

Die Besatzung des Weltraumfrachters Nostromo - darunter der dritte Offizier Ellen Ripley - befindet sich im künstlichen Tiefschlaf. Plötzlich empfängt ihr Schiff ein SOS-Signal. Der Bordcomputer weckt daraufhin die Mannschaft, die der Hilferuf wenig später auf einen unwirtlichen Planten führt. Dabei entdeckt die Crew das Wrack eines außerirdischen Raumschiffs. Ein Crewmitglied wird dabei von einem Alien angegriffen, das sich auf seinem Gesicht festsaugt.

🗣 Julia Stoschek referenziert bei ⏱ 01:09:21 „Mein Vater geht sehr spät bis heute ins Bett und guckt auch nachts immer noch so ganz skurrile Filme. Es kommt ja so zwischen zwei und drei, wo ich jetzt auch wieder nachts wach bin, so Sachen so wie Alien.“

Julia Stoschek erzählt von den nächtlichen Fernseherlebnissen mit ihrem Vater in ihrer Kindheit. Er weckte sie nachts, um zusammen Science-Fiction- und Horrorfilme zu schauen – ein prägendes Erlebnis, das sie mit ihrer späteren Leidenschaft für verstörende Videokunst verbindet.

Space Night

· 2001

Die "Space Night", hochdekoriertes und kultiges Nachtprogramm des Bayerischen Fernsehens ist längst zu eienr Institution der deutschen TV-Landschaft geworden. Untermalt mit atmosphärischer elektronischer Musik führender internationaler Künstler aus den Bereichen Ambiente, Elektro und Trance, begeistert die "Space Night" ihre riesige Fangemeinde Nacht für Nacht mit atemberaubenden Impressionen aus dem Orbit. Faszinierende Aufnahmen aus den NASA- und ESA-Archiven vermitteln den Zuschauern eine ein

🗣 Jochen Wegner referenziert bei ⏱ 01:09:46 „Gibt es eigentlich Space Night noch auf dem BR?“

Im Gespräch über nächtliches Fernsehen und skurrile Sendungen wirft Jochen Wegner die Frage ein, ob die legendäre BR-Sendung Space Night noch existiert – eine kurze, nostalgische Randbemerkung ohne tiefere Diskussion.

Unheil

· 2018

Eine Mutter soll ihr krankes Kind dem Wald opfern. Sie verweigert sich der Aufforderung des Dorfchefs, doch die Tochter verschwindet spurlos. Stattdessen taucht ein Fremder mit schamanischen Fähigkeiten auf und bietet an, ihr bei der Suche zu helfen. Er verzaubert die Mutter, die in traumartigen Sequenzen durch den Wald irrt, Wirklichkeit und Halluzination verschmelzen.

🗣 Julia Stoschek empfiehlt aktiv bei ⏱ 01:10:47 „Jetzt war letzte Woche Jürgen Bock gerade bei uns in Düsseldorf. Und wir haben uns den neuen Film Unheil angeguckt, den ich mitfinanziert habe. Das sind Szenen, die kann ich wirklich, also die gehen gerade noch so, aber wir haben über Lütte auf Rucola gesprochen, was ich überhaupt wirklich, also die Hälfte des Films einfach gar nicht angucken kann.“

Julia Stoschek berichtet von einem neuen Film namens Unheil, den sie mitfinanziert hat und in dem Lars Eidinger mitspielt. Sie beschreibt die drastischen Szenen – herausgerissene Zähne, ausgeschnittene Augen – die sie kaum ansehen kann, obwohl sie das Werk für ihre Sammlung erworben hat. Das paradoxe Verhältnis zwischen Faszination und Abscheu ist für sie typisch bei der Videokunst ihres geschätzten Künstlers.

Namjune-Paik-Arbeit (1982)

Nam June Paik

Nam June Paiks Videokunst-Installation von 1982 kombiniert kleine japanische Monitore zu einer Medienkunst-Komposition. Die Arbeit verdeutlicht Paiks bahnbrechende Rolle in der Videokunst und illustriert die konservatorischen Herausforderungen bei der Erhaltung elektronischer Kunstwerke.

🗣 Julia Stoschek referenziert bei ⏱ 01:32:48 „Ich habe eine wunderbare Namjoon-Pike-Arbeit von 82 mit so kleinen, wirklich auch so japanischen Monitoren.“

Als Beispiel für die Herausforderungen der Konservierung historischer Medienkunst in ihrer Sammlung

Nam June Paik-Arbeit (1982, Monitorinstallation)

Nam June Paik

Monitorinstallation des Videokunst-Pioniers Nam June Paik von 1982 mit kleinen japanischen Röhrenmonitoren. Die Installation verbindet konservatorische Innovation mit künstlerischer Intention: Die originalen Monitore bleiben als Gehäuse erhalten, während das Bild digitalisiert wurde – eine Lösung für die Langzeitarchivierung von Medienkunst.

🗣 Julia Stoschek referenziert bei ⏱ 01:33:43 „Ich habe eine wunderbare Namjoon-Pike-Arbeit von 82 mit so kleinen, wirklich auch so japanischen Monitoren. Und da haben wir es jetzt so gemacht, dass der Röhrenmonitor ist sozusagen noch als Optik da, aber dahinter ist das Bild digitalisiert.“

Julia Stoschek spricht über die Herausforderungen der Archivierung von Medienkunst in ihrer Sammlung. Sie beschreibt eine konkrete Installation von Nam June Paik aus dem Jahr 1982 mit kleinen japanischen Röhrenmonitoren, bei der die Originaltechnik als Hülle erhalten bleibt, das Bild aber digitalisiert wurde – mit Genehmigung des Nachlasses.

Gestrandet in

Ein Buckelwal, der sich in die Nähe von Timmendorfer Strand verirrt hat, wird zum Ausgangspunkt für eine literarische Erkundung des Themas "Gestranded sein". Der Artikel verbindet das ungewöhnliche Naturereignis mit Reflexionen über Orientierungslosigkeit und Verirrtheit und fragt, was es bedeutet, den eigenen Weg zu verlieren.

🗣 Jochen Wegner referenziert bei ⏱ 01:43:07 „Es gibt so eine Rubrik bei uns, die heißt gestrandet in. Wo man dann also sozusagen Tipps kriegt, wenn man jetzt zum Beispiel in der Zeit, wenn man mal da ist.“

Jochen Wegner leitet eine Coburg-Empfehlungsrunde ein, indem er auf die ZEIT-Rubrik 'Gestrandet in' verweist – eine wiederkehrende Kolumne, in der Prominente Tipps für bestimmte Städte geben. Er nutzt das Format als Rahmen, um Julia Stoschek nach ihren fünf besten Coburg-Tipps zu fragen.

Zum Artikel bei ZEIT Online Details →

Gemälde von Lucas Cranach dem Älteren (Kunstsammlung Veste Coburg)

Lucas Cranach der Ältere

Die Veste Coburg beherbergt eine bemerkenswerte Kunstsammlung mit Originalwerken von Lucas Cranach dem Älteren, einem der bedeutendsten deutschen Maler der Renaissance. Die Festung ist ein empfehlenswertes Ausflugsziel für alle, die sich für die alte Meistermalerei und die kunsthistorischen Schätze dieser Epoche interessieren. Die Sammlung bietet direkten Zugang zu authentischen Werken Cranachs und ermöglicht ein tieferes Verständnis für sein künstlerisches Schaffen und die Kunstgeschichte der Frühen Neuzeit.

🗣 Julia Stoschek empfiehlt aktiv bei ⏱ 01:43:34 „Also man muss natürlich auf jeden Fall sich die feste Coburg anschauen, die wirklich fantastisch ist, mit der tollen Kunstsammlung, mit echten Kranachs. Ich hoffe, wir sprechen noch ein bisschen über die alten Meister. Der ältere? Der ältere.“

Im Rahmen einer 'Gestrandet in Coburg'-Runde empfiehlt Julia Stoschek die Veste Coburg als Ausflugsziel und hebt die Kunstsammlung mit originalen Cranach-Gemälden hervor. Sie betont, dass es sich um Werke von Cranach dem Älteren handelt, und äußert den Wunsch, im Gespräch noch über die alten Meister zu sprechen.

Knock Knock

DJ Koze

Elektronische Musik voller subtiler Eleganz und experimenteller Klangflächen. Das Album verbindet minimalistische Strukturen mit schimmernden Atmosphären zu einer emotional tiefgründigen, schwindelerregend schönen Komposition.

🗣 Julia Stoschek empfiehlt aktiv bei ⏱ 01:46:59 „Mein absoluter, absoluter Hero ist DJ Kotze, also Cozy, den ich nach wie vor für einen so virtuosen halte. Das neue Album ist schwindelerregend schön.“

Julia Stoschek spricht über ihre Liebe zur elektronischen Musik und nennt DJ Koze als ihren absoluten Favoriten. Jochen Wegner stimmt begeistert zu und die beiden machen einen Fistbump. Das zum Zeitpunkt der Aufnahme aktuelle Album war 'Knock Knock' (2018).

Berlin Bouncer

David Dietl · 2019

Frank Künster kam aus Westdeutschland in eine Stadt, in der Smiley Baldwin als amerikanischer G.I. noch die Grenze nach Ostberlin bewachte und Sven Marquardt als junger ostdeutscher Punk und Fotograf plötzlich von der Wende überrascht wurde. Bald verfingen sie sich im wilden Berliner Nachtleben der neunziger Jahre und wurden im neuen Jahrtausend zu den berühmt berüchtigten Selektoren der angesagtesten Clubs der Stadt, deren Türen und Geheimnisse sie bis heute hüten.Dieser Film handelt vom Erwach...

🗣 Christoph Amend referenziert bei ⏱ 01:48:06 „Haben Sie Berlin Bouncer schon gesehen? ... Das ist übrigens ein guter Tipp. Dokumentarfilm von David Dietl, der die drei berühmten Berliner Türsteher porträtiert.“

Christoph Amend empfiehlt den Dokumentarfilm über Berliner Türsteher als Tipp

Ryan on the Dnipro

Andreas Gursky / Julia Stoschek Collection

Kunstprojekt von Andreas Gursky und der Julia Stoschek Collection in Kiew 2008. Die nach dem Fluss Dnipro benannte Gemeinschaftsausstellung vereinte Fotografie, Video und Performance und wurde durch ein historisches Live-Konzert von Kraftwerk gekennzeichnet, das Gursky eigens organisiert hatte. Ein Meilenstein der Sammlung, der künstlerische und musikalische Innovation verbindet.

🗣 Julia Stoschek referenziert bei ⏱ 01:51:51 „Rein to Trypto hieß die Ausstellung. ... Ryan on the Dnipro.“

Gemeinschaftsausstellung von Andreas Gursky und der Julia Stoschek Collection in Kiew 2008, bei der Kraftwerk live spielte

Lindenstraße

Hans W. Geißendörfer · 1985

Seit 1985 versucht das Ensemble der „Lindenstraße“, den deutschen Gegenwartsalltag mit all seinen großen und kleinen Problemen fiktional abzubilden. Dabei werden neben serientypischen Beziehungsdramen um Liebe, Ehe und Tod auch immer wieder kontroverse Themen wie Homosexualität, Drogenmissbrauch, häusliche Gewalt, Vergewaltigung, Fremdenfeindlichkeit, Prostitution oder AIDS behandelt.

🗣 Julia Stoschek erwähnt beiläufig bei ⏱ 01:56:38 „Es gibt übrigens hier eine sehr gut sortierte DVD-Sammlung, wollte ich nur sagen. Was haben Sie da gesehen? Lindenstraße, viele Serien, sehr cool. Und zwar original verpackt, bis auf die erste.“

Julia Stoschek entdeckt während einer kurzen Pause eine DVD-Sammlung im Aufnahmeraum. Sie bemerkt amüsiert, dass die Lindenstraße-DVDs dort stehen – original verpackt bis auf die erste Staffel. Die Erwähnung ist beiläufig-humorvoll.

Das Model

Kraftwerk

Das Model (engl. The Model, bis zum 2009er Remaster-Albumtitel: Das Modell) ist ein Lied der deutschen Band Kraftwerk. Es erschien erstmals auf dem 1978er Album Die Mensch-Maschine und wurde ebenfalls 1978 als Single veröffentlicht. Das Stück ist 3:39 min lang. Der Text stammt von Emil Schult, die Musik komponierten Karl Bartos und Ralf Hütter.

🗣 Julia Stoschek referenziert bei ⏱ 01:57:14 „Sie ist ein Model, oder? Ja. Aber ich kann den Text nicht so ganz. Also Autobahn kann man nicht so gut singen und das Modell hat ein bisschen Melodie, ne?“

Die drei Gesprächsteilnehmer wählen gemeinsam einen Kraftwerk-Song zum Mitsingen im Podcast aus. Sie entscheiden sich für 'Das Model', weil es im Gegensatz zu 'Autobahn' eine singbare Melodie hat. Anschließend singen alle drei den Song mit Text vom Handy ab, inklusive Strophen wie 'Sie ist ein Model und sie sieht gut aus'.

Die Roboter

Kraftwerk

Die Roboter ist ein Lied der deutschen Band Kraftwerk, das im April 1978 erschien. Im gleichen Jahr erschien auch eine englischsprachige Version mit dem Titel The Robots.

🗣 Christoph Amend referenziert bei ⏱ 01:57:20 „Also die großen Hits in der Autobahn, oder? Dann Roboter, aber auch nicht ganz leicht zu singen.“

Christoph Amend zählt weitere Kraftwerk-Hits auf, als die Runde überlegt, welchen Song sie gemeinsam singen könnten. 'Die Roboter' wird wie 'Autobahn' als schwer singbar eingestuft und verworfen.

Taschenrechner / Pocket Calculator

Kraftwerk

Kraftwerk ist eine deutsche Band aus Düsseldorf, die 1970 gegründet wurde und noch immer aktiv ist. Sie ist vor allem durch die Pionierarbeit auf dem Gebiet der elektronischen Musik bekannt geworden. Musikstücke der Band beeinflussten zahlreiche Musikstile wie Synthie Pop, Electro Funk oder Detroit Techno. Die Frühzeit 1968 gründeten Ralf Hütter und Florian Schneider die Gruppe Organisation, den Vorläufer von Kraftwerk, die nur ein Album Tone Float hervorbrachte.

🗣 Jochen Wegner referenziert bei ⏱ 02:01:36 „Kennt jemand Pocket Calculator von Kraftwerk? Taschenrechner, Taschenrechner. Ich bin der Musikant mit Taschenrechner in der Hand. Es gibt nämlich eine Version vom Balanescu Quartet mit Streichern.“

Nach dem gemeinsamen Singen von 'Das Model' bringt Jochen Wegner den Kraftwerk-Song 'Taschenrechner' ins Spiel. Christoph Amend erwähnt eine besondere Streicher-Version des Balanescu Quartets. Beide zeigen sich begeistert von dem Stück.

Taschenrechner (Streicher-Version)

Balanescu Quartet

Klassische Streicher-Interpretation eines elektronischen Klassikers der 1970er Jahre. Die kammermusikalische Fassung transformiert die minimalistische Synth-Komposition in eine elegante Orchestrierung und bewahrt dabei die rhythmische Präzision des Originals.

🗣 Christoph Amend empfiehlt aktiv bei ⏱ 02:01:36 „Kennt jemand Pocket Calculator von Kraftwerk? Taschenrechner, Taschenrechner. Ich bin der Musikant mit Taschenrechner in der Hand. Es gibt nämlich eine Version vom Balanescu Quartet mit Streichern.“

Christoph Amend empfiehlt eine besondere Version von Kraftwerks 'Taschenrechner', eingespielt vom Balanescu Quartet mit Streichern. Jochen Wegner bestätigt begeistert: 'Großartiges Teil.'

Taschenrechner (Balanescu Quartet Version)

Balanescu Quartet

Das Balanescu Quartet ist die Gruppe des rumänischen Komponisten und Violonisten Alexander Balanescu. Balanescu (*1954) wird bereits mit sieben Jahren an der Special School for Music in Bukarest aufgenommen. Nachdem die Familie 1969 nach Israel auswandert, setzt Balanescu seine Studien an der Rubin Academy in Jerusalem fort, wechselt mit 16 Jahren nach London ans Trinity College und studiert von 1975 bis 1979 an der Julliard School in New York.

🗣 Julia Stoschek empfiehlt aktiv bei ⏱ 02:01:40 „Es gibt nämlich eine Version vom Balanescu Quartet mit Streichern.“

Julia Stoschek empfiehlt die Streicher-Version des Kraftwerk-Stücks

Der Flug des Navigators

Randal Kleiser · 1986

David Freeman ist ein ganz normaler 12-jähriger Junge. Eines Tages erlebt er einen harmlosen Sturz und wird bewusstlos. Als er wieder erwacht, erwartet ihn Merkwürdiges: Fremde Leute wohnen in seinem Elternhaus, und die Polizei macht eine verblüffende Entdeckung: David ist seit acht Jahren als vermisst gemeldet... Plötzlich interessiert sich die NASA für ihn und findet heraus, dass es zwischen David und einem kürzlich gefundenen Raumschiff eine Verbindung geben muss.

🗣 Jochen Wegner referenziert bei ⏱ 02:02:37 „Ich sage mal zum Beispiel, ich sage Star Wars oder Flug des Navigators, weil das hier gerade an der Wand hängt. Dann sagen Sie zum Beispiel Star Wars.“

Jochen Wegner erklärt die Regeln des Spiels 'A oder B oder Weiter' und benutzt als Beispiel 'Star Wars oder Flug des Navigators'. Er wählt letzteres offenbar, weil ein Poster an der Wand hängt. Es handelt sich nur um ein Spielbeispiel, nicht um eine inhaltliche Empfehlung.

Star Wars

George Lucas · 1977

Seit der Vernichtung der Jedi-Ritter steht die Galaxie unter der grausamen Herrschaft des Imperiums. Nur eine kleine Gruppe von Rebellen, angeführt von der schönen Prinzessin Leia, widersetzt sich der dunklen Macht. Als es ihnen gelingt, die geheimen Baupläne für den gefährlichen Todesstern zu entwenden, gerät das Imperium in Aufruhr. Durch Zufall gelangen die Pläne ausgerechnet in die Hände des Farmerjungen Luke Skywalker, der spürt, dass er sein bisheriges Leben hinter sich lassen muss. Gemein

🗣 Jochen Wegner erwähnt beiläufig bei ⏱ 02:02:37 „Ich sage mal zum Beispiel, ich sage Star Wars oder Flug des Navigators, weil das hier gerade an der Wand hängt. Dann sagen Sie zum Beispiel Star Wars.“

Jochen Wegner nutzt 'Star Wars' als Beispielbegriff, um Julia Stoschek die Regeln des Schnellfragespiels zu erklären. Es ist keine inhaltliche Empfehlung, sondern nur ein illustratives Beispiel.

Moby-Porträt nach dem Rave

Wolfgang Tillmans

Fotografisches Porträt von Wolfgang Tillmans aus den 1990er Jahren, das den Musiker und DJ Moby in Jeans auf einer Matratze liegend zeigt, unmittelbar nach einem Rave. Das dokumentarische Werk erfasst die physische und emotionale Erschöpfung dieser Moment und gilt als ikonisches Zeugnis der Rave-Kultur. Tillmans' Fotografie verbindet intime Menschenportrats mit kultureller Zeitgeschichte und prägte das visuelle Verständnis der elektronischen Musikszene der 1990er Jahre.

🗣 Christoph Amend referenziert bei ⏱ 02:06:06 „das berühmte Bild von Moby, dem berühmten Musiker und DJ, der nur in Jeans bekleidet, auf einer riesigen, glaube ich, Matratze oder so liegt, nach einem Rave“

Christoph Amend beschreibt eines der ikonischen Fotos von Wolfgang Tillmans als Inbegriff der Rave-Stimmung

Fotografie (Moby nach dem Rave)

Wolfgang Tillmans

Das Bild zeigt Moby in Jeans liegend nach einem Rave – ein Klassiker der Clubkultur-Fotografie von Wolfgang Tillmans, der die Essenz von Raves und Wochenendkultur einfängt. Tillmanns revolutionierte die Fotografie als Kunstform durch ungerahmte, größenvariable Hängungen und schuf damit eine neue Installationsästhetik, die über die traditionelle Galerierahmung hinausgeht.

🗣 Christoph Amend referenziert bei ⏱ 02:06:07 „Es gibt das berühmte Bild von Moby, dem berühmten Musiker und DJ, der nur in Jeans bekleidet, auf einer riesigen, glaube ich, Matratze oder so liegt, nach einem Rave. Wenn für mich die Stimmung eines Raves oder eines Wochenendes eingefangen wurde, dann in diesem Bild.“

Im Gespräch über Wolfgang Tillmans und seinen Einfluss auf die Clubkultur-Fotografie beschreibt Christoph Amend eines der bekanntesten Tillmanns-Bilder. Julia Stoschek erklärt, dass Tillmanns die ungerahmte, größenvariable Hängung als Installationsform erfunden hat.

Fotografie (Berghain, Frau mit geöffneten Beinen)

Wolfgang Tillmans

Ikonisches Porträt-Werk von Wolfgang Tillmans, das lange Zeit im Berghain ausgestellt war und als bedeutende Arbeit der zeitgenössischen Kunstfotografie gilt. Die Fotografie wurde von der renommierten Kunstsammlerin Julia Stoschek erworben und repräsentiert den dokumentarischen Ansatz von Tillmanns, der die Kunstszene und Kulturräume Berlins abbildet. Als großformatiges Werk eines international anerkannten Künstlers gehört es in den höheren Preissegment des Kunstmarkts.

🗣 Julia Stoschek referenziert bei ⏱ 02:06:28 „Es gibt auch noch ein sehr anderes berühmtes Bild, was im Berghain hing. Wo die Frau mit den geöffneten Beinen da sitzt, ohne Hose. Was glücklicherweise Teil der Collection ist.“

Julia Stoschek erwähnt ein weiteres berühmtes Tillmanns-Foto, das im Berghain hing und nun Teil ihrer Sammlung ist. Sie kann sich nicht mehr an Kaufdatum und Preis erinnern, schätzt aber die großen Tillmanns-Arbeiten auf circa 100.000 Euro.

Tillmans-Ausstellung Tate Modern

Wolfgang Tillmans

Wolfgang Tillmans' Retrospektive in der Tate Modern präsentiert die vielseitige Fotografie und Videokunst des deutschen Künstlers von frühen Werken bis zur aktuellen Praxis. Die Ausstellung dokumentiert seinen wesentlichen Beitrag zur zeitgenössischen künstlerischen Bildsprache und zeigt die thematische und technische Vielfalt seines Schaffens.

🗣 Christoph Amend referenziert bei ⏱ 02:07:27 „In der Ausstellung in der Tate Modern von ihm war ja auch eine tolle Ausstellung“

Retrospektive von Wolfgang Tillmans in der Tate Modern, wo auch seine frühen Arbeiten gezeigt wurden

101 Dalmatians / 101 Dalmatiner

· 1961

Ein behütetes Zuhause mitten in London und ein Wurf drolliger Hundewelpen – für das Dalmatinerpaar Pongo und Perdi scheint das Glück perfekt. Wäre da nicht die extravagante Cruella de Vil! Pelze sind ihre ganze Leidenschaft, und besonders angetan haben es ihr Pelzmäntel aus Dalmatiner-Welpenfell! Eines Tages sind die niedlichen Kleinen verschwunden. Dieser einmalige Fall von Hunde-Kidnapping macht Schlagzeilen, doch Scotland Yard tappt im Dunkeln. Also beginnen die besorgten Hundeeltern, auf eig

🗣 Jochen Wegner erwähnt beiläufig bei ⏱ 02:10:02 „erinnert ein bisschen an die Frau aus Tausend und einen Dalmatiner. Als Meryl Streep spielt die doch, oder? ... Cruella de Vil.“

Der Film wird als Vergleich herangezogen, um das Aussehen von Daphne Guinness zu beschreiben

101 Dalmatians

· 1996

Eine böse Modedesignerin will Dalmatinerwelpen stehlen, um einen extravaganten Pelzmantel anzufertigen, doch stattdessen entsteht ein extravagantes Durcheinander.

🗣 Julia Stoschek erwähnt beiläufig bei ⏱ 02:11:48 „Doch, die hat immer schwarz-weiße Haare und erinnert ein bisschen an die Frau aus Tausend und einen Dalmatiner. Cruella de Vil. Genau. Die ist ein bisschen böse, weil die die kleinen Dalmatiner immer so quält.“

Julia Stoschek beschreibt das Aussehen von Daphne Guinness und vergleicht ihre markante schwarz-weiße Frisur mit der Figur Cruella de Vil aus dem Disney-Film. Der Verweis dient als humorvolle visuelle Assoziation im Gespräch über Guinness' extravaganten Stil.

The Great Wall Walk

Marina Abramović / Ulay

Marina Abramović und Ulay liefen in dieser legendären Performance-Art aus den 1970ern über dreieinhalb Monate auf der Chinesischen Mauer aufeinander zu – eine existenzielle Erkundung von Nähe, Distanz und emotionaler Verbindung. Die Trennung am Ende des Walks wurde für Abramović traumatisch und zählt zu den ikonischsten Arbeiten der Performance-Art-Geschichte.

🗣 Christoph Amend referenziert bei ⏱ 02:13:28 „Eine der berühmten Arbeiten von ihr ist, dass sie und ihr damaliger Ehemann in den 70er Jahren auf der chinesischen Mauer aufeinander zugelaufen sind. Dreieinhalb Monate.“

Christoph Amend und Julia Stoschek sprechen über die legendäre Performance, bei der Marina Abramović und Ulay dreieinhalb Monate auf der Chinesischen Mauer aufeinander zuliefen. Stoschek erzählt, dass Abramović weinte, als sie sich die Dokumentation dieser Arbeit gemeinsam auf dem Sofa ansahen – die Trennung am Ende des Walks war für die Künstlerin ein traumatisches Erlebnis.

The Artist Is Present

Marina Abramović · 2010

Bahnbrechende Performance-Kunstinstallation (2010) im MoMA, in der Abramović täglich stundenlang saß und Besucher sich ihr direkt gegenübersetzten. Die Arbeit erforscht den Moment intensiver stiller Präsenz und gegenseitigen Augenkontakts – eine transformative Erfahrung der Begegnung zwischen Künstlerin und Publikum.

🗣 Julia Stoschek referenziert bei ⏱ 02:14:37 „Im MoMA, genau. Und mir fällt jetzt gar nicht der Name der Performance ein, was wirklich ein absolutes Missgeschick ist. Anyway. The artist is present. Vielen Dank.“

Julia Stoschek erzählt ausführlich von Marina Abramovićs berühmter Performance im MoMA, bei der die Künstlerin dreieinhalb Monate lang täglich im Museum saß und Besucher sich ihr gegenübersetzen konnten. Stoschek war die erste Person, die sich in der Eröffnung hinsetzte, und beschreibt den Moment als sehr emotional – sie weinte, weil sie an die gemeinsame Geschichte mit Abramović zurückdachte.

Hieronymus Bosch Ausstellung (Herzogenbusch)

Hieronymus Bosch

Das Jheronimus Bosch Art Center in Herzogenbusch ist das kulturelle Zentrum rund um den niederländischen Meister Hieronymus Bosch. Es würdigt die surrealen und faszinierenden Werke des Künstlers, dessen imaginative Bildwelten wie visuelles Kopfkino wirken. Die Ausstellung zeigt, wie Boschs Werke zeitlose künstlerische Innovation darstellen und bis heute Betrachter in ihren Bann ziehen.

🗣 Julia Stoschek referenziert bei ⏱ 02:31:17 „Hieronymus Bosch, wenn ich mir das angucke, dann ist das... Das ist sehr schwierig, aber gab es natürlich jetzt eine tolle Ausstellung, auch in Herzogenbosch.“

Julia Stoschek schwärmt von Hieronymus Bosch als Beispiel für alte Meister, die sie faszinieren – Kopfkino wie Virtual Reality auf Leinwand

Der Garten der Lüste

Hieronymus Bosch

Hieronymus Boschs Triptychon Der Garten der Lüste aus dem 15. Jahrhundert verbindet religiöse Szenen mit einer phantastischen Bildwelt voller Details. Das Werk zeigt Himmel, Hölle und Fegefeuer als komplexe, visuell intensive Szenarien. Seine immersive Qualität und Komplexität werden als Vorläufer moderner VR-Kunstformen betrachtet und machen das Gemälde für zeitgenössische Debatten über visuelle Medien relevant.

🗣 Julia Stoschek referenziert bei ⏱ 02:32:13 „Aber es ist natürlich Himmel und Hölle und Fegefeuer und Garten der Lüste und es ist natürlich wow, aber es ist doch, wie gesagt, es ist alles drin und das ist für mich, das sind die Zeitgenossen.“

Julia Stoschek schwärmt von den Werken Hieronymus Boschs und nennt den 'Garten der Lüste' als Beispiel für Kopfkino auf der Leinwand. Sie vergleicht Boschs Bildwelten mit zeitgenössischer VR-Kunst und betont, dass diese Jahrhunderte alten Werke genauso aktuell und fesselnd seien wie moderne Medienkunst.

Against Interpretation

Susan Sontag

Sontag argumentiert in ihrem Essay von 1964, dass die kritische Praxis der Interpretation Kunstwerke verfälscht, statt sie zu verstehen. Statt zu fragen, was ein Kunstwerk bedeutet oder sagt, sollten Kritiker untersuchen, was es tut – wie es wirkt und sich anfühlt. Sie kritisiert die tradierte Hierarchie zwischen Form und Inhalt, wonach der Inhalt privilegiert ist, während die formalen Qualitäten vernachlässigt werden. Besonders problematisch sieht Sontag jene Interpretationen (marxistisch, freudsch), die vorgeben, unter der Textoberfläche verborgene wahre Bedeutungen auszugraben, dabei den Text aber faktisch verändern, ohne dies zuzugeben. Interpretation dient ihr zufolge oft dazu, unbequeme oder unakzeptable Texte durch Uminterpretation sozial verträglich zu machen.

🗣 Jochen Wegner referenziert bei ⏱ 02:36:10 „Ich habe gestern zur Vorbereitung nochmal Susan Sonntag gelesen. Es gibt ein Essay über Interpretation. Da bin ich irgendwie in meinem Kunstverständnis hängen geblieben, wo sie sagt, das Problem mit Kunst ist, dass wir sie die ganze Zeit interpretieren.“

Jochen Wegner hat zur Vorbereitung auf das Gespräch mit Julia Stoschek Susan Sontags berühmtes Essay über Interpretation wiedergelesen. Er fasst ihre These zusammen, dass das Problem der Kunst in der ständigen Interpretation liege und ein Kunstwerk eigentlich für sich selbst stehen müsse. Er nutzt das Essay als Ausgangspunkt für eine Diskussion über Kunstverständnis und fragt Stoschek, ob sie diesen Ansatz teilt.

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Fotografie aus Friedrichshain 1990

Ben de Biel

Fotografische Dokumentation einer Berliner Straßenszene aus Friedrichshain vom Jahr 1990. Die Aufnahme von Ben de Biel zeigt das kosmopolitische und anarchische Leben im Osten Berlins während der Wendezeit mit charakteristischen Motiven wie Kaftanen, Ruinen und spielenden Kindern. Das Bild dient als visueller Einstiegspunkt für eine historische und kulturelle Analyse der einzigartigen Atmosphäre des damaligen Ostens.

🗣 Jochen Wegner referenziert bei ⏱ 02:40:54 „Zum Beispiel hatten wir neulich im Podcast ein Bild von Ben DeBiel, den keine alte Sau kennt, ich verehre den. Ein Fotograf, der in der Zeit des Mauerfalls tolle Arbeiten gemacht hat. Es gibt dieses eine Bild, was wir mit Jana Hänsel in diesem Podcast mal besprochen haben, das in Friedrichshain, ich weiß nicht, 1990 aufgenommen ist oder 91 oder so.“

Wegner erzählt von einem Foto des Berliner Fotografen Ben de Biel aus der Mauerfall-Zeit, das ihn bis heute emotional berührt. Er kann nicht genau erklären warum – und genau das ist sein Punkt: Große Kunst braucht keine Interpretation, sie wirkt unmittelbar. Das Bild wurde bereits in einer früheren Episode mit Jana Hensel besprochen.

Fotografie aus Brüssel (zwei Männer am Bauzaun)

Henri Cartier-Bresson

Henri Cartier-Bressons Fotografie aus den 1930er Jahren zeigt zwei Männer, die durch ein Loch in einem Bauzaun in Brüssel schauen. Das Bild ist ein Paradebeispiel für dokumentarische Fotografie, die ohne künstlerische Manipulation unmittelbare Wirkung entfaltet. Es war ausschlaggebend für die Karrieredecision eines Fotografen und steht exemplarisch für Kunstwerke, die durch ihre authentische Präsenz eine unvergessliche emotionale Kraft besitzen.

🗣 Jochen Wegner referenziert bei ⏱ 02:41:07 „Es gibt ein weiteres Bild von Cartier-Bresson aus den 30er Jahren aus Brüssel, wo zwei Männer durch ein Loch gucken in einem Bauzaun. Die haben so Hüte auf und so. Ich habe dieses Bild nie wieder vergessen. Als ich das gesehen habe, wollte ich Fotograf werden.“

Wegner nennt ein Foto von Henri Cartier-Bresson als persönliches Schlüsselerlebnis – es war das Bild, das ihn dazu brachte, Fotograf werden zu wollen. Er nutzt es als zweites Beispiel für Kunst, die ohne jede Interpretation eine unmittelbare, unvergessliche Wirkung entfaltet.

Ben de Biel Fotografie (Friedrichshain 1990)

Ben de Biel

Ben de Biel ist ein Fotograf, der in der Zeit des Mauerfalls eindrucksvolle fotografische Arbeiten schuf. Seine Bilder dokumentieren diesen historischen Wendepunkt aus unmittelbarer Nähe und zeigen die Atmosphäre dieser transformativen Periode in Berlin. Ein Foto aus Friedrichshain wird als persönlich bedeutsames Schlüsselbild hervorgehoben, das die historische Relevanz seiner Arbeit unterstreicht.

🗣 Jochen Wegner empfiehlt aktiv bei ⏱ 02:41:43 „ein Bild von Ben DeBiel, den keine alte Sau kennt, ich verehre den. Ein Fotograf, der in der Zeit des Mauerfalls tolle Arbeiten gemacht hat.“

Jochen Wegner nennt ein Foto aus Friedrichshain als persönliches Schlüsselbild

Cartier-Bresson Foto (Brüssel, 1930er)

Henri Cartier-Bresson

Henri Cartier-Bresson dokumentierte 1932 in Brüssel ein prägendes Motiv: zwei Männer, die neugierig durch ein Loch in einem Bauzaun hineinschauen. Das Bild ist bedeutsam, da es Jochen Wegner zu seinem Beruf als Fotograf inspirierte und exemplarisch für Cartier-Bressons Talent zeigt, alltägliche menschliche Momente mit künstlerischer Präzision festzuhalten.

🗣 Jochen Wegner empfiehlt aktiv bei ⏱ 02:41:43 „Es gibt ein weiteres Bild von Cartier-Bresson aus den 30er Jahren aus Brüssel, wo zwei Männer durch ein Loch gucken in einem Bauzaun.“

Jochen Wegner beschreibt das Foto als prägend – nach dem Sehen wollte er Fotograf werden

Rachael/Lizzy Fitch Videoinstallation (Fondation Prada)

Ryan Trecartin / Lizzie Fitch

Immersive Videoinstallation von Ryan Trecartin und Lizzie Fitch in der Fondation Prada. Das Werk lädt Besucher in einen großen Raum ein, in dem ein nachgebautes Haus als räumliche Installation die Videoarbeit beherbergt. Die Kombination aus Film, Architektur und Rauminstallation schafft eine immersive Umgebung und exemplifiziert zeitgenössische Multimedia-Kunstpraxis.

🗣 Christoph Amend referenziert bei ⏱ 02:42:21 „Und da ist es nun so, dass man in einen riesigen Raum, eine riesige Halle auf dieser Fondation Prada reinläuft. Eine Videoarbeit, aber nicht nur eine Videoarbeit, sondern da ist ein riesiges Haus nachgebaut.“

Christoph Amend beschreibt ausführlich eine Ausstellung in der Fondation Prada in Mailand als Beispiel für eindrucksvolle zeitgenössische Videokunst

Ausstellung in der Fondazione Prada

Ryan Trecartin

Ausstellung der Künstler Ryan Trecartin und Lizzie Fitch in der Fondazione Prada Mailand mit einer großen raumfüllenden Installation. Besucher durchschreiten ein nachgebautes Haus und erleben verschiedene Videoarbeiten in unterschiedlichen Räumen. Die Ausstellung verdeutlicht, wie biografische Kontexte der Künstler – etwa ihr bewusster Rückzug aufs Land – zum tieferen Verständnis ihrer Werke beitragen.

🗣 Christoph Amend referenziert bei ⏱ 02:42:30 „Ich war vor kurzem als Herausgeber der Weltkunst in Mailand und in der Fondation Prada und traf zufälligerweise den von Ihnen ja auch so geschätzten Niklas Mark und wir bekamen eine Führung. Von der Kuratorin der neuen Ausstellung von einem der Künstler, den sie glaube ich auch sammeln, Ray Tricarte.“

Christoph Amend berichtet von einem Besuch in der Fondazione Prada in Mailand, wo er eine Ausstellung von Ryan Trecartin und Lizzie Fitch sah. Er beschreibt eine riesige Installation mit einem nachgebauten Haus, in dem man durch verschiedene Räume geht und Videoarbeiten sieht. Er nutzt das Beispiel, um zu argumentieren, dass manchmal der Kontext – etwa das Wissen, dass die Künstler bewusst aufs Land gezogen sind – dem Kunstverständnis helfen kann.

Babylon (Irak-Kriegs-Videoarbeit)

Cyprien Gaillard

Der Künstler schuf Videoaufnahmen während des Irak-Kriegs, die Bagdad-Szenen mit der Musik Babylon verbindet und so die Brutalität des Konflikts dokumentiert. Das Werk steht exemplarisch für politisch engagierte zeitgenössische Kunst, die sich mit Kriegsverbrechen und Folter auseinandersetzt. Die Arbeit wurde von Kunstsammlerin Julia Stoschek als bedeutsames Beispiel ihrer Sammlung hervorgehoben, das die Verbindung zwischen künstlerischer Auseinandersetzung und historischen Traumata zeigt.

🗣 Julia Stoschek referenziert bei ⏱ 02:45:55 „Also ich habe zum Beispiel diese Arbeit von Zubrino Gaya, wo er diese Aufnahmen im Irak-Krieg gemacht hat und wo man immer wieder Aufnahmen von Bagdad sieht und dann hört man immer wieder diese Musik Babylon“

Julia Stoschek beschreibt das Werk als Beispiel für politische Kunst in ihrer Sammlung, das an Abu-Ghraib-Foltermethoden erinnert

Babylon

Cyprien Gaillard

Das Videowerk zeigt Aufnahmen aus Bagdad, unterlegt mit dem sich wiederholenden Refrain „Babylon". Die künstlerische Arbeit von Cyprien Gaillard nutzt die psychologische Wirkung dieser Repetition, um die körperliche Wirkung von Folter spürbar zu machen – ganz ohne explizite Darstellung. Das Werk steht als Beispiel für politische Kunst, die Trauma und Gewalt durch subtile künstlerische Mittel vermittelt.

🗣 Julia Stoschek referenziert bei ⏱ 02:45:58 „Also ich habe zum Beispiel diese Arbeit von Zubrino Gaya, wo er diese Aufnahmen im Irak-Krieg gemacht hat und wo man immer wieder Aufnahmen von Bagdad sieht und dann hört man immer wieder diese Musik Babylon, diesen Refrain, der sich immer und immer wiederholt.“

Julia Stoschek nennt diese Videoarbeit als Beispiel für politische Kunst in ihrer Sammlung. Das Werk zeigt Aufnahmen aus Bagdad, unterlegt mit dem sich endlos wiederholenden Refrain von 'Babylon', und erinnert an die Foltermethoden von Abu Ghraib. Die Unerträglichkeit der Wiederholung nach wenigen Minuten macht die Wirkung von Folter körperlich spürbar – ganz ohne Interpretation.

Rehearsal 1

Francis Alÿs

Videoarbeit des mexikanischen Künstlers Francis Alÿs: Ein VW Käfer erklimmt unter Mariachi-Musik eine mexikanische Sanddüne. Das Werk funktioniert als moderner Sisyphos-Mythos und symbolisiert Mexikos Traum vom sozialen Aufstieg – scheitern und wiederholen. Eine philosophische Meditation über Ambition, Hoffnung und das zyklische Scheitern.

🗣 Jochen Wegner referenziert bei ⏱ 02:47:36 „Ich habe mir noch ein zweites aufgeschrieben. Das ist dieser VW, der in Mexiko den Berg hochfährt. Ja, das ist von Francis Allis. Rehearsal 1.“

Wegner spricht eine Videoarbeit aus Julia Stoscheks Sammlung an, in der ein VW Käfer in Mexiko eine Sanddüne hochfährt, begleitet von Mariachi-Musik. Stoschek erklärt ausführlich die symbolische Bedeutung: Der Käfer als moderner Sisyphos, der den sozialen Aufstieg Mexikos symbolisiert – immer wieder scheitert er, wenn die Musik aufhört. Sie hat sieben Jahre auf den Erwerb dieses Werks gewartet.

Rehearsal 1 (Der VW-Käfer)

Francis Alÿs

Rehearsal 1 ist eine Performance- und Videoarbeit von Francis Alÿs, in der ein VW-Käfer wiederholt versucht, einen steilen Berg in Mexiko hochzufahren. Das Werk funktioniert als Metapher für gesellschaftliche Aufstiegsambitionen und verweist durch die Sisyphos-Mythologie auf die Endlosigkeit sinnloser Anstrengung. Durch die Absurdität dieser Situation hinterfragt Alÿs Konzepte von Fortschritt, Hoffnung und politischer Veränderung im Kontext Mexikos.

🗣 Jochen Wegner referenziert bei ⏱ 02:47:48 „Ich habe mir noch ein zweites aufgeschrieben. Das ist dieser VW, der in Mexiko den Berg hochfährt. Ja, das ist von Francis Allis. Rehearsal 1.“

Das Kunstwerk wird ausführlich besprochen als Metapher für Mexikos gesellschaftlichen Aufstiegsversuch – ein moderner Sisyphos

Generation Lost – 10 Years JSC

Julia Stoschek Collection

Katalog zum zehnjährigen Jubiläum der Julia Stoschek Collection, kuratiert von Ed Atkins. Statt die ausgestellten Werke zu beschreiben, erläutert Atkins seine Auswahl-Kriterien und die Bedeutung jedes Stücks für die Sammlung.

🗣 Christoph Amend referenziert bei ⏱ 02:53:00 „Und einen habe ich jetzt noch mitgebracht. Den Zehnjährigen. ... Generation Lost 10 Years steht hier vorne drauf.“

Der Ausstellungskatalog zum 10-jährigen Jubiläum der Julia Stoschek Collection wird vorgestellt, kuratiert von Ed Atkins

Hannah Wilke Striptease vor dem Duchamp-Glas

Hannah Wilke

Hannah Wilke war eine Künstlerin, deren Video- und Performance-Werke die gängigen Darstellungsweisen von Frauen in Kunst und Mode-Fotografie kritisch hinterfragten. Der Artikel von Kunsthistorikerin Stefanie Graf stellt fünf bedeutende Performance-Arbeiten vor, die Wilkes künstlerisches Schaffen prägten. Durch ihre Performances setzte sich Wilke mit gesellschaftlichen Schönheitsstandards und der Objektifizierung weiblicher Körper auseinander. Ihre Werke markieren einen wichtigen Beitrag zur feministischen Kunstbewegung und zum Verständnis von Performance-Art als Medium der Gesellschaftskritik.

🗣 Julia Stoschek referenziert bei ⏱ 02:54:09 „wie von Hannah Wilkie, die in Philadelphia im Art Museum vor dem großen Duchamp-Glas einen Striptease vollzieht“

Als Beispiel für frühe feministische Videokunst der 60er/70er Jahre erwähnt

Through the Large Glass

Hannah Wilke

Hannah Wilkes ikonische Performance vor Marcel Duchamps 'Das Große Glas' im Philadelphia Museum of Art ist eine radikale feministische Geste: Sie performt einen Striptease vor Duchamps berühmtestem Werk und setzt ihren Körper gegen die männliche institutionelle Autorität ein. Das Werk nutzt die Videokamera als emanzipatorisches Medium und schafft einen provokanten Dialog zwischen Duchamps konzeptuellem Meisterwerk und der rohen Körpererforschung.

🗣 Julia Stoschek referenziert bei ⏱ 02:55:55 „Deswegen gibt es diese wirklich berühmten Arbeiten von Frauen aus den 60er und 70er Jahren, diese Performances, die so wunderschön sind wie von Hannah Wilkie, die in Philadelphia im Art Museum vor dem großen Duchamp-Glas einen Striptease vollzieht.“

Julia Stoschek erklärt, wie Frauen Ende der 60er und Anfang der 70er Jahre die Videokamera als emanzipatorisches Werkzeug nutzten – sie konnten allein im Studio intime Körperexperimente durchführen. Als Beispiel nennt sie Hannah Wilkes berühmte Performance vor Marcel Duchamps 'Das Große Glas' im Philadelphia Museum of Art.

Das Große Glas

Marcel Duchamp

Marcel Duchamps ikonisches Kunstwerk „Das Große Glas" aus dem Jahr 1915-1923 ist eines der einflussreichsten Werke der modernen Kunst. Die Performance-Künstlerin Hannah Wilkes nutzte dieses Meisterwerk als Bühne für ihre provokative Körperperformance im Philadelphia Museum of Art. Diese Verbindung illustriert die künstlerische Auseinandersetzung feministischer Künstler der 1960er und 1970er Jahre mit Duchamps Werk und dessen Darstellung des weiblichen Körpers.

🗣 Julia Stoschek erwähnt beiläufig bei ⏱ 02:55:55 „Diese Performances, die so wunderschön sind wie von Hannah Wilkie, die in Philadelphia im Art Museum vor dem großen Duchamp-Glas einen Striptease vollzieht.“

Duchamps berühmtes Werk 'Das Große Glas' (The Bride Stripped Bare by Her Bachelors, Even) wird als Kulisse für Hannah Wilkes Performance erwähnt. Stoschek bezieht sich darauf im Kontext der feministischen Videokunst der 60er und 70er Jahre.

KOE

Cyprien Gaillard

Videoinstallation von Cyprien Gaillard über neongrüne Sittiche auf der Düsseldorfer Königsallee. Die Arbeit dokumentiert die ökologische Anpassung tropischer Vögel an den urbanen Raum und erforscht das Verhältnis zwischen Stadtnatur und menschlicher Infrastruktur. Gaillard entdeckte die Vögel während einer Ausstellung und machte ihre Präsenz zum künstlerischen Thema.

🗣 Jochen Wegner referenziert bei ⏱ 02:58:06 „Diese Sittiche in Düsseldorf. Auf der Königsallee. Die Arbeit Kö, auch von Suprema. Also es gibt eine Arbeit, die heißt K.O.E. Kö, wo so Sittiche gefilmt werden oder zu sehen sind, die da tatsächlich leben.“

Wegner beschreibt eine Videoarbeit von Cyprien Gaillard, die neongrüne Sittiche zeigt, die über die Düsseldorfer Königsallee fliegen. Julia Stoschek erzählt die Entstehungsgeschichte: Gaillard entdeckte die Vögel während des Aufbaus einer Ausstellung in ihrer Sammlung und erforschte, wie sich diese eigentlich tropischen Vögel ökologisch an die Einkaufsstraße angepasst hatten.

K.O.E. (Kö)

Cyprien Gaillard

Kunstwerk von Cyprien Gaillard, das die Ansiedlung von Sittichen auf der Königsallee in Düsseldorf dokumentiert. Die Installation thematisiert urbane Ökologie und die Eroberung städtischer Räume durch Wildtiere als unerwartete Naturphänomene. Ein Werk über das Zusammenleben von Natur und Stadt im 21. Jahrhundert.

🗣 Jochen Wegner referenziert bei ⏱ 02:58:17 „diese Sittiche in Düsseldorf. Auf der Königsallee. Die Arbeit Kö, auch von Suprema. Also es gibt eine Arbeit, die heißt K.O.E.“

Das Kunstwerk zeigt Sittiche über der Düsseldorfer Königsallee, die sich als ökologische Sensation dort angesiedelt haben

Weltkunst

Weltkunst ist ein monatliches Kunstmagazin, das sich der zeitgenössischen und klassischen Kunst widmet. Die Publikation arbeitet mit international renommierten Kunstexperten wie Hans-Ulrich Obrist von der Serpentine Gallery zusammen und bietet fundierte Beiträge zur Kunstwelt.

🗣 Jochen Wegner erwähnt beiläufig bei ⏱ 03:02:21 „Bist du eigentlich der Herausgeber der Weltkunst?“

Nachdem Julia Stoschek ihre Begeisterung für die alten Meister und die Cranach-Gemälde auf der Veste Coburg erwähnt, fragt Jochen Wegner scherzhaft Christoph Amend, ob er der Herausgeber des Kunstmagazins Weltkunst sei. Die Bemerkung ist ein humorvoller Seitenhieb, kein inhaltlicher Verweis auf das Magazin.

Björk Musikvideo

Björk

Björks Musikvideo aus ihrer künstlerischen Sammlung. Die isländische Künstlerin ist bekannt für ihre visuell innovativen und experimentellen Videoclips, die von renommierten Regisseuren wie Michel Gondry inszeniert wurden. Julia Stoschek betont damit die künstlerische Bedeutung dieser Werke, die über reine Musikvideos hinausgehen und als eigenständige Kunstobjekte gelten. Eine Referenz auf Björks Einfluss auf zeitgenössische Kunstpraxis und visuelle Ästhetik.

🗣 Julia Stoschek erwähnt beiläufig bei ⏱ 03:03:06 „Ich habe von Björk ein Musikvideo in der Sammlung“

Julia Stoschek erwähnt, dass sie ein Björk-Musikvideo als Kunstwerk in ihrer Sammlung hat

Solaris

Andrei Tarkowski · 2002

Der Psychologe Dr. Chris Kelvin erhält den Auftrag, die unerklärlichen Vorkommnisse auf der Raumstation Prometheus zu untersuchen. Die umkreist derzeit den luminiszierenden Planeten Solaris, von dem auch die angeblichen "Besucher" zu stammen scheinen, die den zwei verbliebenen Crewmitgliedern das Leben schwer machen. Mit der Zeit wird jedoch klar, dass die Wesen lediglich Kreationen der eigenen Erinnerung sind.

🗣 Julia Stoschek referenziert bei ⏱ 03:04:04 „Aber ich mag schon gerne Solaris. Den ersten.“

Auf die Frage, welcher Kinofilm ein tolles Kunstwerk sei, nennt Julia Stoschek Tarkowskis Original-Verfilmung von Solaris (1972) als persönlichen Favoriten. Jochen Wegner zeigt sich begeistert von der Wahl.

No Country for Old Men

Coen Brothers · 2007

Ein Mann stolpert förmlich über einen blutigen Tatort, einen Pick-up-Truck, vollgeladen mit Heroin, und unwiderstehlichen zwei Millionen Dollar in bar. Seine Entscheidung, das Geld für sich zu behalten, setzt eine gewaltvolle Kettenreaktion in Gang, die noch nicht einmal das Gesetz von West-Texas aufhalten kann.

🗣 Jochen Wegner referenziert bei ⏱ 03:04:11 „Was ist mit No Country for Old Men von den Cones? ... Und zur Zeit, schon seit sehr langer Zeit, ist No Country auf Platz 1. Ehrlich? Ja. Das ist der beste Film, den ich kenne.“

Jochen Wegner nennt den Film als seinen persönlichen Platz 1 aller Zeiten

Blade Runner

Ridley Scott · 1982

Man schreibt das Jahr 2019. Den Replikanten, künstlichen Menschen, ist bei Todesstrafe die Rückkehr zur Erde verboten. Doch trotzdem kehren eines Tages einige dieser Wesen zurück. Diese besondere Spezies verfügt über Kraft und Intelligenz mehrerer Menschen und ist von diesen kaum zu unterscheiden. Sie sollen unschädlich gemacht werden. Nur eine Spezialeinheit kann sie aufspüren: die Blade Runner. Eine atemberaubende Hetzjagd durch die futuristische Welt beginnt.

🗣 Jochen Wegner referenziert bei ⏱ 03:04:43 „Also ich finde zum Beispiel, es tut mir leid, ich bin sehr populär orientiert, den ersten Blade Runner halte ich für einen der absolut weltbewegendsten Filme aller Zeiten. Auch aus der Historie, in welcher Zeit der eigentlich gemacht worden ist und so.“

Im Gespräch über Kinofilme als Kunst nennt Jochen Wegner den ersten Blade Runner als einen der bedeutendsten Filme aller Zeiten, wobei er besonders die historische Einordnung betont – in welcher Ära der Film entstanden ist.

Deutscher Pavillon, Biennale di Venezia 2011 (Goldener Löwe)

Christoph Schlingensief

Der Text dokumentiert das Schicksal von Christoph Schlingensiefs Hauptwerk, das als einzige deutsche Arbeit den Goldenen Löwen der Biennale di Venezia 2011 erhielt. Nach der Ausstellung wird das preisgekrönte Werk in einem Container in Duisburg gelagert und bleibt der Öffentlichkeit unzugänglich. Julia Stoschek beschreibt diese Situation als kulturellen Skandal und hinterfragt den Umgang mit diesem bedeutenden künstlerischen Erbe.

🗣 Julia Stoschek referenziert bei ⏱ 03:06:46 „Er ist der einzige deutsche Künstler, der den Goldenen Löwen in Venedig gewonnen hat, dessen Hauptwerk in Duisburg in einem Container vor sich hin rottet.“

Julia Stoschek beschreibt ausführlich das Schicksal von Schlingensiefs Hauptwerk, das den Goldenen Löwen in Venedig gewann – die einzige deutsche Arbeit mit dieser Auszeichnung. Nach der Rückkehr aus Venedig lagert das Werk in einem Container in Duisburg und ist für niemanden zugänglich, was Stoschek als skandalös empfindet.

Operndorf Afrika

Christoph Schlingensief

Kunstinstallation und Vermächtnis des deutschen Performance-Künstlers Christoph Schlingensief in Burkina Faso. Das Operndorf Afrika vereint bildende Kunst, Performance und sozialen Raum zu einem hybriden Kunstprojekt, das sein künstlerisches Erbe prägt. Seine Witwe Aino Laberenz bewahrt das Werk bis heute mit galerie Hauser & Wirth.

🗣 Julia Stoschek referenziert bei ⏱ 03:07:25 „Ja, seine Witwe Aino Labyrinth kümmert sich ja wirklich sehr, sehr liebevoll und auch aufopferungsvoll, muss man sagen. Nicht nur um das wunderbare Operndorf, sondern auch um den ganzen Nachlass mit Hauser & Wirth zusammen.“

Julia Stoschek spricht über Schlingensiefs Vermächtnis und erwähnt das Operndorf in Afrika als eines seiner wichtigsten Projekte, um das sich seine Witwe Aino Laberenz weiterhin kümmert. Christoph Amend ergänzt erklärend, dass es sich um Schlingensiefs Projekt in Afrika handelt.

Animatograf

Christoph Schlingensief

Der Animatograf ist eine Kunstinstallation von Christoph Schlingensief, die sich in privater Sammlung befindet. Das Werk ist relevant für die Diskussion über Schlingensiefs künstlerisches Erbe, da seine bedeutenden Arbeiten nicht in öffentlichen deutschen Museumssammlungen vertreten sind, sondern bei Privatsammlern wie Harald Falkenberg verwahrt werden. Dies unterstreicht die mangelnde institutionelle Anerkennung des Künstlers im deutschsprachigen Raum.

🗣 Julia Stoschek referenziert bei ⏱ 03:08:15 „Das ist schon ein interessantes Mikrosmuseum, hat ein paar Arbeiten, aber Harald Falkenberg hat den Animatrografen, hat eine große Arbeit, ich habe zwei kleine.“

Im Kontext der Diskussion über Schlingensiefs Nachlass und die fehlende institutionelle Sichtbarkeit seiner Werke erwähnt Julia Stoschek den Animatografen als eine große Arbeit in der Sammlung von Harald Falkenberg. Sie beklagt, dass Schlingensiefs Werke in keiner öffentlichen deutschen Sammlung vertreten sind.

Van Gogh 3D

Immersive 3D-Ausstellung zu Vincent van Gogh in der Alten Münze Berlin. Die digitale Installation präsentiert Werke des niederländischen Malers in interaktiven Räumen und ermöglicht Besuchern ein immersives Erlebnis. Teil der temporären Pop-Up-Kultur für alternative Ausstellungsnutzungen.

🗣 Julia Stoschek erwähnt beiläufig bei ⏱ 03:16:30 „Aber es gibt dann so Plätze, da war eben dann vorher mal eine Galerie drin oder irgendwie so ein Pop-Up-Restaurant oder Van Gogh 3D wie in der Münze.“

Julia Stoschek erwähnt die immersive Van-Gogh-Ausstellung in der Alten Münze Berlin als Negativbeispiel für die Art von Nutzung, die Ausstellungsräume in Berlin erfahren – Räume, die sie für ihre Sammlung nicht nutzen kann.

Female Figure

Jordan Wolfson

Jordan Wolfson ist ein innovativer Künstler und digitaler Visionär, dessen bekanntes Werk »Female Figure« seine Auseinandersetzung mit Technologie und Kunstgestaltung zeigt. Der Computer-Nerd arbeitet derzeit an Projekten, die Virtual Reality, künstliche Intelligenz und intelligente Systeme kombinieren und neue Möglichkeiten für zeitgenössische Kunstproduktion eröffnen. Seine Arbeiten repräsentieren die Verschmelzung von klassischer bildender Kunst mit fortgeschrittenen digitalen Technologien.

🗣 Julia Stoschek referenziert bei ⏱ 03:24:51 „Der sitzt da so vor so drei riesigen Bildschirmen und hat ja diese Female-Figure gemacht und arbeitet jetzt auch Richtung Intelligence und VR, AI.“

Julia Stoschek beschreibt den Künstler Jordan Wolfson, den sie zunächst versehentlich als John Rathman bezeichnet, als ein Genie und typischen Computer-Nerd. Sie erwähnt sein bekanntes Werk Female Figure und seine aktuelle Arbeit mit VR und KI.

Splatterfilm (20 Stunden)

Paul McCarthy · 2022

Ein sonniger später Nachmittag. Kein Grauen, keine Krähen, kein Unheil weit und breit. Burkhard „Butsch“ Schulz (Götz Schubert) hat seine schwere Verletzung auskuriert und fühlt sich vitaler als je zuvor. Und auch Viola Delbrück (Yvonne Catterfeld) hat ihre Dämonen gut genug im Griff, um beinahe optimistisch und lebensfroh zu wirken. Gemeinsam schleppen die beiden Möbel in Butschs neue Wohnung, frotzeln über dies und jenes, als ein gellender Schrei durch das Treppenhaus schallt.

🗣 Julia Stoschek referenziert bei ⏱ 03:30:25 „Jetzt hat er an einem 20-Stunden-Film mitgearbeitet, wo er wieder selber mitspielt. Und es ist noch so viel krasser. Man kann sich das fast überhaupt nicht angucken. Es gibt kein amerikanisches Museum, was die Arbeiten überhaupt noch zeigen kann.“

Julia Stoschek beschreibt ausführlich ihren Besuch bei Paul McCarthy in dessen LA-Studio. Der über 80-jährige Künstler hat einen extremen 20-Stunden-Film produziert, in dem er selbst mitspielt. Kein Museum weltweit traut sich, das Werk zu zeigen.

Faust (Deutscher Pavillon, Biennale di Venezia 2017)

Anne Imhof

Anne Imhofs Performance "Faust" ist eine wegweisende Arbeit der zeitgenössischen Kunst, die 2017 den Goldenen Löwen der Biennale di Venezia gewann. Die Performance prägte die Ausstellung des deutschen Pavillons durch ihre intensive und innovative Ästhetik. Das Werk steht für Imhofs charakteristische Verbindung von Körper, Bewegung und konzeptuellem Denken und zählt zu den bedeutendsten künstlerischen Positionen des 21. Jahrhunderts.

🗣 Julia Stoschek referenziert bei ⏱ 03:33:55 „Und dann Anne Immerhoff vor zwei Jahren einfach, also spektakulär. Absolute Ausnahmekünstlerin.“

Julia Stoschek erzählt stolz, dass drei aufeinanderfolgende Biennale-Künstlerinnen des deutschen Pavillons Teil ihrer Sammlung sind. Anne Imhofs Performance 'Faust' gewann 2017 den Goldenen Löwen in Venedig.

Slave to the Rhythm

Grace Jones

Ikonischer Disco-Track mit elektronischem Sound und hypnotischem Beat. Definiert die experimentelle Avantgarde des Pop und bleibt ein Klassiker der elektronischen Tanzmusik der 1980er Jahre. Der Song verkörpert einen innovativen Stil und prägte die Popkultur nachhaltig.

🗣 Christoph Amend referenziert bei ⏱ 03:38:30 „Grace Jones war mal eine slave to the rhythm, wichtige Musikerin.“

Christoph Amend erklärt jüngeren Zuhörern, wer Grace Jones ist, nachdem Julia Stoschek eine persönliche Anekdote über eine Begegnung mit Grace Jones in einem New Yorker Club erzählt hat. Er nennt den Song als Erkennungsmerkmal der Musikerin.